Nel forno di Faenza l’argilla perde lentamente l’acqua, cambia colore e diventa materia resistente. Prima della cottura puoi ancora correggere un bordo, incidere una superficie, cambiare la forma. Dopo, ogni scelta resta impressa nel corpo dell’opera.
Quando cerchi la ceramica contemporanea italiana, non trovi soltanto vasi o oggetti d’uso. Incontri sculture, installazioni e superfici che usano la tradizione per parlare di memoria, consumo, corpo e paesaggio. Per orientarti, devi osservare insieme tecnica, forma e rapporto con la storia.
Quando l’argilla diventa ricerca artistica
La ceramica contemporanea si distingue dall’artigianato commerciale per il ruolo che l’artista assegna alla materia. Un vaso può conservare la sua funzione, ma può anche diventare una scultura. Una piastrella può uscire dalla parete e trasformarsi in un’immagine autonoma.
In Italia questa libertà nasce da una tradizione molto ricca. Faenza, Albisola, Nove, Vietri sul Mare, Deruta e Montelupo Fiorentino hanno sviluppato linguaggi riconoscibili, legati a botteghe, manifatture e scuole. Anche in Sardegna, centri come Oristano, Assemini e Dorgali custodiscono pratiche ceramiche che continuano a offrire riferimenti agli artisti di oggi.
La differenza sta nel modo in cui utilizzi il passato. Puoi citare un motivo decorativo antico, deformare una forma tradizionale oppure conservare le tracce della lavorazione manuale. Il risultato non deve sembrare antico: deve far percepire che la storia è ancora materia disponibile.
Quando osservi un’opera ceramica, chiediti che cosa ha deciso l’artista di lasciare visibile: il gesto, l’incidente, lo smalto o la forma finale.
Le tecniche della ceramica contemporanea
Ogni progetto comincia dalla scelta dell’impasto. La terracotta cuoce a temperature più basse e conserva spesso un aspetto caldo e poroso. Il gres diventa compatto e resistente, mentre la porcellana offre una superficie chiara, sottile e delicata. La scelta cambia il peso, la luce e il suono dell’opera.
Per costruire la forma puoi usare il tornio, la modellazione a mano, la tecnica del colombino o quella a lastra. Il colombino crea la struttura sovrapponendo cordoni d’argilla; la lastra permette di tagliare e assemblare superfici piane. Il tornio, invece, richiede controllo dell’umidità e precisione del gesto.
Dopo l’essiccazione arriva la prima cottura, detta biscottatura. L’artista può poi applicare engobbi, ossidi e smalti. Gli engobbi colorano l’argilla con una miscela liquida; gli ossidi producono variazioni spesso imprevedibili; gli smalti formano una superficie vetrosa quando raggiungono la temperatura adatta.
Il raku introduce un rapporto diretto con il fuoco. L’oggetto esce dal forno ancora incandescente e affronta un raffreddamento rapido, spesso in presenza di materiali combustibili. Crepe, irregolarità e fumigazioni diventano parte del risultato.
Oggi alcuni studi affiancano alla lavorazione manuale il colaggio in stampo, la fresatura e la stampa 3D dell’argilla. La tecnologia non elimina il gesto: cambia il modo in cui puoi progettare moduli, ripetizioni e strutture complesse.
Quattro artisti italiani da osservare
Bertozzi & Casoni, la precisione che mette in crisi la realtà
Il duo formato da Giampaolo Bertozzi e Stefano Dal Monte Casoni ha portato la ceramica verso una scultura di grande precisione tecnica. Le loro opere possono ricordare nature morte, accumuli di rifiuti, animali o oggetti quotidiani. A uno sguardo ravvicinato, però, la superficie rivela una costruzione ceramica complessa.
La ceramica smaltata permette loro di imitare materiali diversi, dalla plastica alla frutta, dal metallo alla carta. La perfezione formale entra così in contrasto con soggetti legati al consumo, alla trasformazione e alla fragilità. Se guardi una loro installazione, la domanda non riguarda soltanto il realismo: riguarda il valore che attribuisci agli oggetti dopo il loro uso.
Ugo La Pietra, il segno tra progetto e tradizione
Ugo La Pietra lavora sulla ceramica come campo di ricerca visiva. Il suo linguaggio comprende segni, geometrie, figure architettoniche e forme che sembrano uscire dall’uso quotidiano. Nel rapporto con i centri ceramici italiani, l’artista ha trasformato la decorazione in una forma di pensiero.
La sua ceramica non cerca una superficie neutra. Il segno resta leggibile, spesso libero e ritmato, mentre l’oggetto mantiene il legame con la bottega e con la manualità. Puoi avvicinarti alle sue opere chiedendoti dove finisca il progetto e dove inizi l’interpretazione dell’artigiano.
Silvia Celeste Calcagno, il corpo come superficie
Silvia Celeste Calcagno usa la ceramica per lavorare su identità, memoria e corpo. Le sue opere possono assumere la forma di frammenti, calchi, volti e installazioni composte da elementi ripetuti. La superficie non appare sempre levigata: conserva tensioni, impronte e alterazioni.
In questo caso la tecnica non è un semplice supporto. L’argilla registra il contatto con il corpo e trattiene una presenza anche quando la figura non è completa. Se osservi le sue composizioni, nota il rapporto tra il singolo elemento e l’insieme: la ripetizione costruisce una memoria visiva, ma lascia emergere anche la vulnerabilità della materia.
Francesco Ardini, figure deformate e memoria della bottega
Francesco Ardini appartiene a una generazione cresciuta dentro la tradizione ceramica di Faenza, ma ne usa gli strumenti con libertà. Le sue sculture presentano corpi, volti e animali deformati, spesso attraversati da dettagli minuziosi e da un umorismo inquieto.
La modellazione manuale resta evidente, mentre il colore e lo smalto amplificano le anomalie della forma. Il risultato mette in discussione l’idea di bellezza regolare e mostra quanto la ceramica possa sostenere immagini ambigue. In Ardini riconosci la lezione della bottega, ma anche il desiderio di portare l’argilla verso una dimensione visionaria.
Come leggere e scegliere un’opera
Per capire una ceramica contemporanea, osserva prima la forma generale. Poi controlla il bordo, il retro e le zone meno esposte: lì puoi riconoscere il gesto, la presenza dello stampo o una variazione di cottura. Anche il peso e la trasparenza aiutano a distinguere terracotta, gres e porcellana.
Puoi seguire il lavoro degli artisti attraverso mostre al MIC di Faenza, rassegne dedicate alla ceramica e collezioni dei musei italiani. Non fermarti al nome noto. Leggi la scheda tecnica, cerca il percorso dell’autore e confronta opere realizzate in periodi diversi.
La materia che conserva il presente
La ceramica contemporanea italiana vive nella tensione tra controllo e imprevisto. L’artista prepara ogni passaggio, ma il forno può modificare colori, tensioni e superfici. Proprio questa possibilità rende ogni opera fisica, irripetibile e legata al tempo della cottura.
Quando incontri un lavoro di Bertozzi & Casoni, La Pietra, Calcagno o Ardini, guarda oltre il soggetto. Chiediti come l’argilla sia diventata immagine, memoria o critica del presente. In quella trasformazione trovi la vitalità di una tradizione che continua a cambiare senza perdere il contatto con il fuoco.
